Cellar Contemporary, in condivisione stand con lo Studio d’Arte Raffaelli, parteciperà per la prima volta alla 6° edizione di Roma Arte in Nuvola, che si terrà presso la Nuvola di Fuksas dal 19 al 22 novembre 2026
Il progetto espositivo, che vede coinvolte entrambe le gallerie, prevede per lo Studio d’Arte Raffaelli un focus sulle mostre più recenti tenutesi in galleria (Suzanne Unrein, Gian Marco Montesano, Mario Giacomelli), oltre a una selezione di opere dei più rappresentativi artisti americani degli anni Ottanta, mentre per Cellar Contemporary la proposta espositiva si concentrerà sugli artisti Melissa Brown, Tommaso Buldini, Bruno Fantelli, Erik Foss, Zana Masombuka, Margherita Paoletti, Filippo Rizzonelli, Solomostry.
Zana Masombuka (Siyabuswa, 1995) è un’artista sudafricana attualmente protagonista della mostra personale Ukuthebulwa KweThoro: Possession, Stillness and Sitting with Symbolic Symphonies presso Cellar Contemporary. I suoi autoritratti fotografici dialogano con le proprie cornici, composte da perline intrecciate a mano secondo le usanze tradizionali Ndebele. La mostra vuole portare una particolare attenzione alla dimensione della presenza spirituale nel momento attuale: vengono accostati fotogrammi analogici, che testimoniano la cattura di un istante, a una lavorazione lunga e meditata che va a dar vita alle cornici in perline. L’accostamento di queste due modalità contrastanti di vissuto e riproduzione dell’attimo lasciano allo spettatore uno spazio di riflessione sugli approcci di presenza esistenziale, dell’esserci.
Degli artisti americani recentemente presentati da Cellar Contemporary saranno esposte nuove opere diMelissa Brown (Stati Uniti, 1974) e di Erik Foss (Stati Uniti, 1973), che si esprimono attraverso linguaggi artistici differenti: Melissa Brown esplora gli eventi della vita quotidiana attraverso pattern di simboli, messaggi nascosti e trasformazioni che rivelano la complessità nascosta del reale. Erik Foss, invece, intreccia l’estetica punk, underground e dei graffiti presentando spesso personaggi e miti provenienti dalla cultura pop. I due artisti, entrambi americani, hanno in comune il richiamo a una realtà presente nel mondo mentale dello spettatore, ma inafferrabile, ricoperta da un alone onirico o riposta in un immaginario collettivo accolto da tutti, ma mai totalmente definibile.
Con Solomostry (Milano, 1988) abbandoniamo invece l’ambito del figurativo intelligibile. Le opere dell’artista che vengono presentate fanno riferimento alla sua ricerca più recente, la quale si concentra sul tema dell’identità. L’artista fa riferimento alla dimensione identitaria che si cela dietro all’apparenza, la quale viene spesso nascosta per proteggere delle fragilità o debolezze. L’analisi di questo scudo prodotto spesso inconsciamente ha come risultato la creazione di opere raffiguranti maschere dai caratteri mostruosi, le quali vengono sottoposte a un processo di astrazione dove solo gli elementi necessari rimangono. Anche i tratti pittorici sono essenziali e sintetici, caratterizzati dall’uso preponderante di una linea spessa e continua.
Il tema del mostruoso viene affrontato anche Bruno Fantelli (Cles, 1996) e Tommaso Buldini (Bologna 1979), sebbene con esiti differenti. I due artisti rappresentano entrambi personaggi immaginari e grotteschi, ma queste figure vengono caratterizzate diversamente. Bruno Fantelli rappresenta masse caotiche di esseri mostruosi nelle quali, per via del tratto costituito spesso da rapide pennellate, viene reso impossibile distinguere le singole entità. Tommaso Buldini, dall’altro lato, riempie le sue composizioni di figure riconoscibili nella rappresentazione ma estranee allo spettatore per via di caratterizzazioni assurde e contraddittorie provenienti da un’inquietante dimensione onirica. I due artisti differiscono anche nei toni: se Fantelli sceglie spesso colorazioni spente e polverose per le sue creature, Buldini è solito usare tinte fluorescenti che vengono fatte risaltare nelle sue ambientazioni dai toni tendenti al nero.
Fanno apparente contrasto con questa dimensione irrequieta e dinamica le opere di Filippo Rizzonelli (Riva del Garda 1991) e Margherita Paoletti (Fabriano 1990), caratterizzate da un’atmosfera più lirica e intimista. In entrambi gli artisti un ruolo preponderante è ricoperto dalla natura: in Rizzonelli affrontata come dimensione bucolica e liberatoria, mentre in Paoletti come tramite per l’analisi di elementi introspettivi. Le opere di Rizzonelli sono, infatti, spesso composte da paesaggi naturali raffiguranti boschi, foreste o corsi d’acqua. Raramente vengono proposte figure umane, e nei casi in cui questo viene fatto sono presenti individui rimandanti a una dimensione molto distante da quella del quotidiano urbano. Nelle opere di Paoletti la figura umana è, invece, spesso la protagonista. La presentazione dell’individuo viene attuata tramite un punto di vista che penetra nella sua interiorità: gli elementi naturali sono usati per rimarcare sentimenti, emozioni e elementi caratteriali che si celano all’interno dei corpi raffigurati.
L’esposizione verrà situata nello stand C24.
